Tony Gum lance sa dernière exposition, « Milked in Africa », à New York

Tony Gum a récemment célébré son 27e anniversaire. Je suis ramené en 2016, quand elle était sur la couverture de Destin numéro du mois de la jeunesse du magazine, âgé de 20 ans. À l’époque, un artiste visuel, surtout un aussi jeune qu’elle, était quelque chose qui n’avait jamais été fait par la marque. Pour elle, ce fut un moment déterminant pour sa carrière.

En tant que personne qui avait été témoin de sa croissance de blogueuse à photographe à artiste visuelle, je me demandais si elle réalisait comment sa trajectoire contribuerait à ce que l’art soit pris au sérieux en tant qu’entreprise.

« 2016 a été la cerise sur le gâteau pour les années qui ont précédé ce qui allait informer l’artiste que je suis aujourd’hui », dit-elle. « Durant mon année de césure ainsi que mes années d’études, j’ai toujours eu un travail d’appoint ou une ‘tangente’ qui remplirait mes débouchés créatifs. Jamais dans mon esprit je n’aurais pensé que cela deviendrait une carrière viable – je créais parce que cela me comblait. C’est à ce moment-là que mon frère est intervenu pour m’éduquer sur les affaires de l’art ainsi que pour gérer ma carrière.

Depuis lors, Gum a fait des vagues dans le commerce et dans le monde de l’art.

Gum, qui est représenté par la Christopher Moller Gallery, est né en 1995 à Cape Town. C’est une artiste multidisciplinaire dont la pratique mêle la photographie et le graphisme à la peinture et à la sculpture. À travers son art, elle donne une voix aux problèmes locaux et mondiaux tels que le genre, le colonialisme, la mondialisation et l’identité.

Sa photographie couleur mise en scène est enracinée dans son héritage et sa culture ancestrale en tant que femme Xhosa. Ses portraits audacieux s’inspirent du riche langage visuel des éditoriaux de mode, utilisant des costumes et des accessoires pour livrer un commentaire social incisif pour le moment.

Je la reconnecte quelques jours après le vernissage de son exposition à New York.

Pour ceux qui ont suivi l’édition 2016 Traite en Afrique série, en 2021 Gum a ajouté à l’histoire pour présenter cette nouvelle exposition. C’est une extension de la série originale.

Comme l’observe Lungi Morrison, spécialiste des communications, « Maintenant, la femme verte est passée des archétypes pastoraux antérieurs, qui vivent sous le poids de la colonisation, à une femme modernisée – désormais transformée, commercialisée et « homogénéisée » comme le lait. Elle est visiblement transformée.

Lors de la contextualisation des thèmes de l’artiste, Morrison écrit : « La figuration de Gum dépeint de manière ludique l’héritage d’exploitation du colonialisme et ses implications toujours avec nous ici et maintenant. Au début de la série, les seins de la femme verte sont recouverts de peinture jaune, faisant référence à la richesse innée de l’Afrique, la positionnant comme sa source. L’histoire et la culture offrent à Gum un terrain fertile pour réfléchir à la mesure dans laquelle l’Afrique et son peuple ont été «traités» pendant des siècles.

Milked in Africa est organisé par Meredith Breech, responsable des expositions de Fotografiska New York, en collaboration avec vous en tant qu’artiste. Pourquoi avez-vous choisi le titre « Milked in Africa » et pourquoi la couleur verte comme teinte dominante pour vous à la fois en tant que muse et toile ?

Le lait est un liquide courant. Humain ou mammifère sécrété, beaucoup d’entre nous sont entrés en contact avec le lait, que ce soit au cours de notre enfance ou de notre vie adulte. C’est un mélange relatable. Le lait contient beaucoup de symbolisme et de métaphores, par exemple, « Ne pleure pas sur le lait renversé » ou « Lait quelqu’un pour quelque chose », ce qui signifie que je peux subtilement m’aligner sur des questions importantes telles que le colonialisme, le consumérisme ou la mondialisation. D’où le terme, ‘Traite en Afrique’. Pourquoi vert ? Eh bien, selon la teinte, la couleur est porteuse d’ambiguïté : nature ou chance, envie ou opportunité, santé ou cupidité… Il y a de quoi jouer avec la couleur verte.

Le pigment blanc, représentant le lait, est capturé dans différentes situations autour de vous. Il est représenté à divers stades de production – dégoulinant d’un seau, sur la Bible et comme une écharpe portée par une femme allaitant un bébé blanc. Qu’est ce que cela signifie?

À l’origine, les pièces précédentes de 2016 et 2017 présentaient un état de sécrétion plus organique. L’Afrique est représentée comme une figure féminine capable de produire un bien ingénieux : le lait. On voit le lait, dans les premiers ouvrages, à l’état naturel soit sur la figure verte soit à proximité de la figure verte. Les dernières œuvres, cependant, prennent un départ plus « traité ». Le système laitier est comme un commentaire social sur la trajectoire de l’Africain – examinant à la fois les aspects archétypaux, contemporains et commerciaux du lait et de l’Africain.

Bien qu’officiellement lancée en 2016, vous avez récemment ajouté à la collection « Milked in Africa ». Sur quelles expériences personnelles vous êtes-vous appuyé cette fois-ci pour cette dernière photographie mise en scène ?

J’ai regardé beaucoup de rap de combat avec mon cher ami – bravo à Mzo. Je suis un millenial, un citadin, je suis sur mon téléphone, il y a beaucoup d’influence urbaine autour de moi.

« Milked in Africa » est à l’affiche jusqu’au 21 août à Fotofrafiska à New York. Comment a été l’accueil des travaux jusqu’à présent ? Cela a été tout à fait incroyable. J’ai cherché des moyens de renouer avec les gens après avoir été coincé à l’intérieur et hors des réseaux sociaux pendant un an. Mes pairs comprennent, la jeune génération résonne et la génération plus âgée est captivée.

Votre processus de création et la façon dont vous percevez votre forme d’art ont-ils changé maintenant après la pandémie mondiale que nous avons connue ?

Assurément. Beaucoup de choses ont changé; J’ai changé. Pour réitérer: j’ai été initié à un silence auquel je n’étais pas préparé – le monde entier l’était – nous avons tous dû nous adapter. Pourtant, je ne savais pas à quel point cela apporterait de la tranquillité. Je parle définitivement avec le recul, car sur le moment, cela ressemblait absolument à une malédiction, et c’en était une. Comme le disent les croyants, « même après la pire tempête, le soleil brillera à nouveau ». Je considère maintenant le processus de création comme un travail divin et amusant. Il évoque la pensée, l’introspection, la connexion, la création comme dans ‘ukudala’, à quel point c’est sacré, vous savez ? Je respecte beaucoup la création et je prends mon temps avec elle.

Que voulez-vous que votre public retienne de la présentation lors de sa visite à New York ce mois-ci ?

J’aimerais citer un article introspectif que j’ai écrit sur la boîte à lait MIA (Milked In Africa). Cela pourrait nécessiter une relecture ou plus : Donc, nous n’allons pas prétendre que ce lait vous fournira des nutriments allant du calcium au zinc. Ce serait vide un peu comme la réponse commune : « Je sais ce que tu ressens ». Ce qui est vrai cependant, c’est que c’est une belle boîte de lait et d’ironie. Un puits dans lequel nous aimons tous puiser de temps en temps. Contrairement à ce que la plupart admettront, se mouiller les cheveux ne fait jamais partie du plan. Mais d’une manière ou d’une autre, vous êtes ici, desséché et prêt à plonger. Répercussions tête la première plus tard. Et remarquer qu’être ‘MIA’ n’a pas grand-chose à voir avec ce lait et plus avec vous.

Vous avez mentionné Malick Sedibé et Zanele Muholi comme deux des influences de la photographie de tournée. Pourquoi leur travail vous interpelle-t-il ?

Sans oublier Samuel Fosso et John Yuyi, ces artistes, à travers la photographie, commentent ou reflètent la société de manière singulière.

Et musicalement ? Qu’y a-t-il sur votre playlist actuelle ?

Je viens de faire une playlist de 27 pistes dédiée aux éponymes C’est 27. J’aimerais pouvoir dire « le lien est joint dans cette interview », mais je peux vous épargner la lecture de tous les musiciens incroyables qui commencent mes matinées. J’en citerai quelques-uns avec empressement : Une humeur douce par le choix du public, Changer les temps par Dondo, Lune du Transkei par Thandiswa Mazwai, Danse avec moi ce soir par Bheki Mseleku et Happy Feelin’s par Maze & Frankie Beverly.

Des plans pour SA ce côté de l’année?

J’espère que oui – je croise les doigts. J’essaie de faire un informatif aussi. Tous les bailleurs de fonds pour bien vouloir me contacter s’il vous plaît.